La Fondation MAPFRE propose jusqu’au 19 Février 2012 une rétrospective du photographe Gotthard Schuh. L’exposition présentée dans la récente remodelée Salle Aca est organisé en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz, propriétaire des photographies.
L’exposition est commissionnée par e directeur de Fotostiftung Schweiz, Peter Pfunder. Parmi les 113 photos de l’exposition, 92 d’entre elles appartiennent à Gotthard Schuh, et correspondent à la période de 1929 à 1956. Les autres vingt photographies ont été prise par Werner Bischof, Robert Frank, René Groebli, et Jakob Tuggener, tous membre du distingué Kollegium de photographes suisse des années 50 du siècle passé. 
Né de parents suisse à Berlin en 1879, Gotthard Schuh a été un des révolutionnaires de l’histoire de la photo. En effet, son principal apport au monde photographique a été la création du réalisme poétique qui a crée un nouveau courant auprès des photographes européens du 20ème siècle. Même s’il commença sa carrière comme peintre, il consacra sa vie professionnelle à la photo.

Il participa activement aux changements esthétiques qui se sont produit à la fin des années 20 dans le monde de la photographie. Comme d’autre grands de la photo, il a trouvé dans le photo-journalisme l’opportunité de réaliser ses expériences dans le monde de l’image. Dans ce contexte ou la rapidité, et l’enchantement de la réalité produisant une multitudes de situations captée par l’objectif, qu’il réalisera les meilleurs, et plus intéressants travaux. Il a travaillé comme photographe pour des prestigieuses publications comme Paris Match, Life, et Berlin Illustrate parmi les plus connues.   Paris l’attira pour sa vie agitéE. Il y travailla pour les lumières, et les ombres de la ville, il capta avec son objectif tout ce que l’oeil commun se perd, développant ce qui il a appelé le réalisme poétique qui se relationne avec la captation de la subjectivité implicite dans une situation, ou il laisse nu les émotions, la psychologie des personnages, et la densité des ambiances dans une seule image. 
En 1941, il est nommé rédacteur graphique du quotidien Neue Zürcher Zeitung.

Ceci lui ouvre une vitrine, tant au niveau de son travail, que pour des photographes émergents, ou consacrés au niveau international de la taille de Robert Franck, ou de l’hongrois Gyula Halász, plus connu comme Brassaï. A partir de ce moment, ses travaux commence a être structuré de formes plus complexe, donnant vie a son livre “Les iles des Dieux” qui illustre son travail entre Bali, Singapour, Sumatra, et Java. 

Sa lutte constante pour donner à la photographie un niveau détaché entre les arts l’amena ° participer à a formation du Kollegium Schweizerischer Photographe, cherchant à positionner la photographie comme une expression propre aux arts, considérant que intrinsèquement elle travaille sur l’esthétique, et requiert un long processus créatif, et génère chez le spectateur une certaine tension. Au Kollegium, beaucoup de photographes s’inscrivent, parmi les quelles on trouve une pléiade des meilleurs photographes suisse qui accompagneront l’oeuvre de Schuh dans cette exposition rétrospective de son oeuvre qui sera la première en Espagne.

Pour de plus amples informations: http://www.exposicionesmapfrearte.com/schuh/

Nancy Guzman

C’est une merveilleuse période de l’année pour louer un des appartements à Madrid de façon que vous puissiez profiter d’un repos bien mérité.

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Traduit par: AlValnegri
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L’exposition organisée autour de vidéos, et matériels photographique qui est de propriété du fond de collection de Martin Z. Margulies de Miami organisée sur la base de 150 photographies, appartenant à 50 auteurs. A travers de celle-ci, elle explore la forme que l’homme habite le monde, son interaction avec lui, et la forme qu’il se positionnes dans la nature pour satisfaire ses émotions, la vie quotidienne, les besoins de subsistance, et croyances.

L’exposition est intitulée en reprenant les derniers poèmes de l’écrivain lyrique allemand Friedrich Hölderlin, qui se consacra à lire Hyperion, et sa vision sur les équilibres des étoiles, et les mouvements de soleil, basée sur ses réflexions, dans un des ses derniers poèmes consacre des aspects de la relation de l’homme avec son environnement; récupéré, et étudié par le philosophe Martin Heidegger, qui dédie des brillantes analyses sur sa pensée, dont il se dit qu’il fut influencé par Hegel, et le développement du concept de la dialectique.

A partir de ces réflexions, et effectuant des recherches sur la collection de Martin Z. Margulies il a été possible de générer le concept central de cette exposition et pour ce, ils ont crées trois sections qui réunissent es concepts centraux tels que:  Etre dans le monde, L’existence des flux, les signes, et les symboles, construire, habiter, cartographier. Un vrai espace de réflexion, et regard contemporains du monde. 

Martin Z. Margulies commença sa collection en 1976, grâce à une passion pour la beauté, et la création humain. Sa première oeuvre de la collection a été l’oeuvre de Isamu Noguchi, jusqu’à  réussir une des collections les plus importantes du monde de l’art contemporain avec des artistes nord-américains, et européens.

La collection de photographie de Marguliès est reconnu comme une des 25 plus importantes dans le monde. Des experts, critiques, et galleristes considèrent qu’elle est une des meilleures dans son genre. Une partie importante de ses peintures, et sculptures se trouvent dans sa maison à Key Biscane, en Floride.

Pour conserver la collection des photographies, des vidéos installations, et des sculptures de grande taille, il a développé un plan intéressant de sauvetage d’un bateau industriel abandonné en 1999, dans le district de Arte Wynwood de Miami, ou elles sont conservés pour développer des activités didactiques.

Parmi les auteurs, on trouve James Casebere, Bernd and Hilla Becher, Lee Friedlander, et Ed Ruscha, avec leurs oeuvres émotionnantes pour l’exploration métaphysique sur l’action de l’homme sur la planète, et l’environnement. 
Pour de plus amples informations: http://www.colectania.es/index.php?i=1&p=2

Nancy Guzman

Une rencontre merveilleuse avec l’environnement est de louer un des appartements à Barcelone ou vous pourrez chasser tous vos doutes métaphysiques sur l’homme, et l’environnement en assistant à l’exposition de la fondation Foto Colectania.

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Traduit par: AlValnegri
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Ouverte jusqu’au 26 Février le Musée du Luxembourg propose l’exposition Cézanne, et Paris. L’exposition est organisée avec la collaboration du Petit Palais, le Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, et réunit plus de 80 oeuvres provenant de différentes collections du monde entier et explorer les grands thèmes sur lesquels Cézanne a travaillé comme Paris, le Nu artistique, les portraits, et la nature morte.

L’exposition est commissionnée par Gilles Chazal, directeur du Petit Palais, et Maryline Assante de Panzillo Conservatrice du département de peintures du Petit Palais, voulant montrer un Cézanne qui cherche activement le défi tant avec la tradition comme face à la modernité.
Paul Cézanne est né à Aix-en-Provence, en 1839. Fils d’une famille bourgeoise, son père était un banquier fortuné, il réalisa ses études au Collège Bourbon ou il développa une amitié avec Emile Zola. En dépit de sa passion pour le dessin, et la peinture, il se matricula à la faculté de droit pour satisfaire son père, mais sa passion eut raison de lui et laissa tout tomber pour se consacrer à sa vocation.

Il organisa son premier studio dans la maison de campagne de sa famille,et en 1861 il se transféra à Paris grâce à l’appui économique de sa famille. Dans la capitale, il retrouve Zola, et s’inscrit à l’Académie Suisse afin d’essayer de rentrer à l’académie de Beaux-Arts. Durant sa première incursion au Musée du Louvre, il fut surpris des oeuvres de Velàzquez, et Caravaggio qui influenceront ses oeuvres. 
De retour à Aix pour travailler avec son père pour une courte durée, il retourne à Paris déterminé à finir ses études à l’Académie Suisse, ou il fait la connaissance de Pissarro, et Guillaumin, qui influenceront fortement ses oeuvres en le libérant de la rigueur stylistique de l’Académie.

Durant le salon de l’Automne, il présente ses oeuvres pour la première fois, et viennent refusées. Ceci se répétera plusieurs fis, sans que jamais il abandonne la peinture, même si frustré, et decu de la critique qui provoquèrent en lui un certaine désillusion. 
Decu par le cercle artistique de Paris, il part vivre à l’Estanque avec la modèle Hortense Fiquet, ou il développe une oeuvre prolifique composée de paysages, et échopes, réalisé dans un scénario naturel comme l’exigeait l’impresionisme. En 1904, le salon d’automne est consacré à son travail pictorique. Deux ans plus tard, Cézanne meurt laissant une marque indélibile parmis les avantgardiste de l’art.
Son oeuvre a ouvert les potes aux cubistes, et inspirés les surréalistes comme Picasso, Dérain, et Bracque parmi tant d’autre.

Pour de plus amples informations: http://www.museeduluxembourg.fr/fr/expositions/p_exposition-4/

Nancy Guzman

Commencer l’année 2012, et profiter des grandioses panoramas que la ville lumière offre à ses visiteurs en louant des appartements à Paris

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Traduit par: AlValnegri
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Arts Santa Monica de Barcelone présente jusqu’au 4 mars l’exposition Campos Invisibles. Geografías de las Ondas de Radio, dans l’Espacio Laboratorio. Cette exposition aborde la démarche de la technique et de la science à travers l’art conceptuel. Elle est produite par Plataforma Cero, Centro de Investigación, Producción y Recursos de LABoral.

L’exposition est organisée par Honor Harger et José Luís de Vicente, et cherche à promouvoir la recherche sur un paysage indescriptible qui se construit à partir des ondes radio. Pour ce faire, ils ont conçu une plateforme de travail interdisciplinaire qui analyse à travers la sociologie (analysant la culture et les changements sociaux) la communication scientifique et la pratique artistique.

L’exposition présente des oeuvres d’artistes comme Trevor Plagen, Thomas Ashcraft, Rafael Lozano-Hemmer, Anthony DeVicenzi, Timo Arnall, Joyce Hinterding, Job Ramos, Semiconductor, Matthew Biederman, Clara Boj et Diego Diaz, Rasa Smite & Raitis Smits (RIXC), Luthiers Drapaires, Irdial Records, Guifi.net, Luthiers Drapaires et Plataforma Cero LABoral.

Beaucoup d’eau a coulé sous les ponts depuis l’avènement de la radio en 1897 lorsque Marconi installe la première émission de radio sur l’île de Wight. La radio a commencé comme une croisade scientifique et technologique à but non lucratif afin de briser les barrières naturelles de la communication. Elle est devenue en un peu de temps un moyen de transmettre des messages plus complexes et de communiquer les événements survenant dans l’environnement immédiat. La radio, avec le téléphone et le télex ont été les inventions qui ont réussi à réunir les continents et de faire en sorte que les communications soient instantanées au cours du XXe siècle. Grâce à ces moyens de communication, on a pu connaître les événements de la Seconde Guerre mondiale et les principales étapes de l’histoire qui ont marqué l’humanité.

Cependant, on sait peu sur ce qui est derrière la radio et comment ces ondes sont transmises à travers l’atmosphère. Nous ne savons même pas comment fonctionne une radio et quels sont les intérêts derrière tout ça. Nous ne connaissons pas non plus les effets de la radio sur notre comportement et sur la société actuelle. Nous ne pouvons pas nous en passer et elle fait partie de nos rituels quotidiens.

Par ailleurs, cette exposition passionnante a donné lieu à la réalisation d’une série d’ateliers organisés par Arts Santa Monica Arts avec la Plataforma Cero de LABoral. David Pello sera responsable d’une introduction à l’univers de la technologie des satellites, tandis que Pedro Soler et Joanna Griffin vont explorer les imaginaires de l’espace et les satellites à travers leurs histoires, leurs noms et leurs origines, et l’avenir de ces corps étrangers de l’espace. Le militant et chercheur Alejandro Duque exposera le regard critique sur les satellites et nous apprendera à les reconnaître, à les pirater et à décoder leurs secrets.

Pour de plus amples informations:

http://www.artssantamonica.cat/EXP/EXPOSICIONS/tabid/128/any/201110/language/es-ES/Default.aspx#exposicio51

Nancy Guzman

Ne pensez pas aux prédictions pour 2012. Réservez l’un des appartements à Barcelone et oubliez les pronostiques en profitant de votre séjour à Barcelone.

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Traduit par: David
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La Virreina Centre de la Imatge de Barcelone présente jusqu’au 5 février 2012 une grande exposition rétrospective sur l’œuvre photographique de Claude Cahun, l’artiste française avant-gardiste du XXe siècle. L’exposition est organisée par le Jeu de Paume de Paris et coproduite par La Virreina Centre de la Imatge et The Institute of Chicage.

En plus de cette exposition, La Virreina a réalisé une série d’activités qui met en évidence le caractère avant-gardiste de Cahun et souligne l’actualité de son approche esthétique concernant le discours contemporain de la théorie Queer, qui avance que la sexualité est le résultat d’une construction sociale, et non biologique, en réfutant toutes les catégories préétablies construites à partir d’une vision hégémonique, comme l’homosexualité, la transsexualité, etc., pour restreindre la culturalité qui sous-tend cette catégorisation.

La conférence Paris Etait Une Femme aura lieu le 10 janvier et la conférence Surréalisme (Et) Queer le 19 janvier 2012 à 19:00 à Espai 4.

Le long métrage de Lizzie Thynne (2011), intitulé Playing a Part : the story of Claude Cahun sera exhibé dans la salle Xavier Miserach. Ce film propose des images inédites et suit l’esthétique surréaliste de Cahun. Réalisée avec des images d’archives de différentes époques, des interviews de grands critiques comme David Bate, Elisabeth Lebovici et Ann Caws qui évoquent l’importance de Cahun dans l’art, ainsi que des témoignages de personnes qui l’ont connue et qui racontent quelques anecdotes sur sa vie.

Lucy Renée Mathilde Schwob, le vrai nom de Claude Cahun, est née à Nantes en France en 1894 dans un milieu raffiné et cultivé qui lui permis de se spécialiser dans la littérature et l’image, adoptant le pseudonyme en l’honneur de son grand oncle Léon Cahun. Sa vision du monde, la libération du corps et de l’esprit lui ont attiré des problèmes et elle fut écartée du milieu de l’art de l’époque.

Elle déménage à 26 ans à Paris avec sa compagne Suzanne Malherbe, son vrai nom est Marcel Moore, et commence comme chroniqueuse au Mercure de France. A cette époque, elle tisse des liens avec des écrivains adeptes au dadaïsme et au surréalisme.

En plus de l’écriture et du théâtre, Cahun se consacre à la photographie et en 1929 ses photos sont publiées dans la revue Bifur. L’année suivante elle publie son autobiographie Aveux non avenus qu’elle illustre avec ses photomontages.

Cahun a participé à toutes les instances politiques et syndicales de l’époque en militant dans l’Association des Ecrivains et des Artistes Révolutionnaires, où elle milite au côté de Breton et Bataille, avec qui elle fonde la revue Contre Attaque. Durant la Seconde Guerre Mondiale, elle participe aux actions menées contre les nazis au sein de la Résistance et elle se fait incarcérée.

Si son œuvre et sa vie furent peu reconnues à son époque, Cahun est aujourd’hui une référence du surréalisme et l’avant-garde du XXe siècle ainsi que des nouvelles luttes associées aux politiques Queer.

Pour de plus amples informations, veuillez consulter: http://virreinacentredelaimatge.bcn.cat/es/claude-cahun

Nancy Guzman

Il vous suffit de louer l’un des appartements à Barcelone pour vous reposer et profiter de votre séjour. Ne manquez pas cette exposition exceptionnelle et apprenez-en plus sur cette femme hors du commun qui était trop avancée pour son époque.

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Traduit par: David
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A Barcelone, comme dans presque toutes les grandes villes au monde, certains quartiers suscitent beaucoup d’intérêt (bien que l’on ne prêtait guère attention par le passé). Ainsi, les citadins se rendent progressivement sur ce site et commencent à générer un mouvement culturel qui n’existait pas auparavant. C’est ce qui est entrain de se passer dans le quartier de Poble Sec, situé au Sud-ouest de Barcelone. Ces dernières années ont vu apparaître une douzaine d’espaces culturels et artistiques qui génère des activités, des expositions, des ateliers et des cours dans un endroit qui était plus « calme » auparavant, peut-être plus résidentiel et en-dehors de la movida barcelonaise.

Ainsi, après « La Margarita » (un centre culturel renommé et situé au n°48, reconnaissable par sa très belle porte en forme d’arbre), un nouvel espace a été inauguré il y a quelques semaines. Il s’agit d’un ancien projet « La Purée », situé auparavant au n°40 et qui a été déplacé au n°46 de la rue Margarit. Ce nouvel espace s’appellera dorénavant « La Antorcha ». Le concept de cet espace est d’offrir selon Edu, le gérant de l’établissement, un lieu de rencontre qui ne s’éteigne jamais et soit toujours allumé comme une torche, « soit toujours allumée ». Il s’agit non seulement d’un engagement envers l’art et la culture, mais également envers le quartier de Poble Sec. Le concept de La Antorcha est d’offrir à ce quartier un lieu où l’on peut s’exprimer, exposer son art, rencontrer d’autres artistes ou tout simplement se rencontrer. Le quartier se métamorphose en quelque sorte.

« La Antorcha » a été inaugurée avec l’exposition « Carte du Bruit », du photographe français Olga Zmick, que vous pouvez encore visiter. Il s’agit d’une sélection de photographies prises durant ses sorties dans le Barcelone queer depuis ces dernières cinq années. Il explore les limites du corps à travers son œuvre et les liens profonds qui existent entre le désir et la ville (plus précisément à Barcelone !)

Le cycle automnal sur les supports audiovisuels musicaux, qui a été interdit à différentes époques et à différents endroits de la planète, se tient tous les vendredis. En hiver, « La Antorcha » propose « Megaparchises Tuyú » de Carlos Piqueras, qui présentera ses pachisis interactifs et psychédéliques. Il s’agit d’un jeu de société où il faut compléter un parcours avec quatre fiches, en les faisant arriver jusqu’au centre de la table en lançant les dés. La programme prévoit également la participation de Aingeru Rincón et de Steven Forster avec les « Légendes Rurales ».

« La Antorcha », comme pour « La Purée », reste fidèle à l’engagement de l’art politique centré sur la thématique du genre. Pour de plus amples informations, veuillez consulter: http://lapureeouterspace.blogspot.com.

menschauser

Si vous vous trouvez à Poble Sec ou si vous avez loué l’un des appartements à Barcelone ne manquez pas l’opportunité de profiter de la vie culturelle des quartiers de la ville.

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Traduit par: David
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Le besoin de réviser la peinture classique de nos jours, sert de trace pour comprendre comment se sont articulés les regards que nous avons eu et que nous avons toujours, sur quelques facteurs politiques clés. Surtout pour comprendre que l’œuvre et ces procédés sont déjà posés, ou congelés dans la matière de l’objet, à moins qu’ils ne soient intervenus, physiquement, par d’autres protagonistes. Ceci n’arrivera jamais avec un Picasso, Rembrant, Manet ou Delacroix. Disons qu’il n’y a pas moyen d’avoir carte ouverte pour intervenir leurs travaux qui sont aujourd’hui des classiques de la peinture.

Il nous reste alors la possibilité de manipuler le regard. Reconnaître que tout est inventé dans tous les arts, mais que ce sont nos explorations, interprétations et perspectives qui changent. Une fois culminée, l’œuvre d’art se lâche au monde, et face au monde, elle ne fait que se soutenir dans un long couloir de miroirs qui s’auto-reflètent jusqu’à l’infini. Il n’y a pas de fausse interprétation, mais des recours différents avec chaque génération, pour aborder les œuvres d’art d’une autre manière et les manipuler comme des discours.

L’exposition de Delacroix dans la Caixa Forum est une opportunité plus qu’intéressante de connaître de près le travail de ce peintre important. En plus de quelques pièces classiques, il faut mentionner une série de gravures sur l’histoire de Faust. Dans ces images, Delacroix dévoile l’histoire du docteur Faust et ses efforts pour séduire Marguerite. Il se peut que ce soient les pièces les plus intéressantes de l’exposition, puisqu’elles montrent la précision des dessins de Delacroix et leur grande charge symbolique. L’exposition de la Caixa Forum présente aussi diverses annotations de peintures majeures; exercices en procès, dessins, taches, peintures, volumes, à travers desquels on peut avoir une meilleure approche des processus de l’artiste.

Dans ce sens, il se peut que l’erreur de l’exposition soit de montrer seulement les annotations et non pas ses contreparties originales. Avoir une perspective du processus de création de l’artiste est sans doute essentiel pour connaître d’avantage ses intérêts et son esthétique. Néanmoins, sans le produit final de ces exercices, il est difficile de mieux comprendre les procédés mentionnés auparavant.

N’importe quelle exposition, musée ou galerie, est un espace idéal pour comprendre les mécanismes de l’art contemporain. La disposition des œuvres dans l’espace attire l’attention sur les intérêts du musée, les prêts réalisés, leur provenance, et l’histoire de l’objet en soi.

Pour plus d’information: http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/caixaforummadrid_es.html

Alexa Ray

Trouve un des appartements à Madrid et profite de sa grande gamme de galeries et de musées. Delacroix est un des artistes romantiques les plus importants du 19ème siècle, ne rate pas cette occasion de mieux connaître son œuvre.

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Traduit par: AlValnegri
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Le groupe de musique électronique pop Junior Boys se présente le 21 décembre dans la salle Pénélope de Madrid. Le concert de ces musiciens canadiens en Espagne ravira leurs fans dans le cadre des tournées et de la programmation de fin d’année.

La formation originale est un duo composé de Jeremy Greenspan et de Johnny Dark. Originaires d’Hamilton, Ontario, Canada, les Junior Boys se sont formés en 1999. Leur idée était d’aboutir à un son qui résumerait leurs différentes influences pour créer un style sophistiqué électro-pop. Après les premières années de galère, ils réussirent à produire une bonne demo et à la distribuer grâce à KIN Records en 2002. Ils ont apprécié leur créativité contribuant à leur notoriété parmi les groupes les plus renommés de l’électro. Cependant, Johnny Dark s’était retiré de ce duo à cause des pertes économiques et ce fut Jeremy qui continua seul avec Junior Boys.

La rencontre avec l’ingénieur Matt Didemus permit à Jeremy de créer de nouveaux thèmes et à commercialiser un album qui a impressionné par un son et une tonalité parfaite. L’album Birthday Last Exist sorti en 2003 a notamment surpris.

L’année suivante, ils ont commercialisé l’EP High Come Down, qui a confirmé ses capacités à créer un produit de qualité propice au succès. Sans pour autant négliger leur travail, ils ont sorti une réédition avec Manitoba (Caribu) avec lesquels ils sont partis en tournée à plusieurs reprises.

Ils ont lancé en 2006 le remix The Loving Sounds of Statics de la Mobius Band. La compilation de Idol Tryouts 2 et le thème Ghostly International sont apparus dans ce disque. Ce sont des thèmes qui ont fait connaître ce groupe dans le milieu de l’électro-pop.

L’album suivant, So This Is Goodbye a été lancé avec beaucoup de succès en août 2006 par le label Records. La créativité a été constante tout au long de la trajectoire de Junior Boys. Le label Records a même organisé un concours de vidéos réalisés par leur fans dans le cadre du lancement de l’album. L’idée était d’utiliser les chansons de l’album et le gagnant emportait mille dollars en liquide.

Pour de plus amples informations, veuillez consulter ce lien http://www.nvivo.es/conciertos/Junior+Boys-Madrid

Nancy Guzman

N’oubliez pas de louer l’un des appartements à Madrid et de profiter des belles journées de la fin de l’automne et du début de l’hiver, en plus des achats de noël.

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Traduit par: David
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Entre le 10, et le 14 Décembre, le Palau de la Musica de Barcelona présentera le concert du groupe américain Alabama Gospel Choir, composé de 30 personnes effectuant un parcours des chansons les plus traditionnelles des communautés afro-américaines, mélodies devenues traditionnelles, tout comme les composition classiques, en période de noël.

L’interprétation chorale d’Alabama Gospel Choir à ses racines dans la chorale Aeolinas appartenant à la fondation du même nom fondée en 1896 par l’église adventiste Black Seven Day. Cette institution religieuse bien implantée dans la société d’Alabama et possède des centres d’éducation, et des institutions de charité.

Une des raisons du succès de ce groupe gospel crée en 1946, est sa qualité interprétative qui conserve les sons de sa musique traditionnelle, avec son répertoire basé sur les lettres des œuvres classiques des créateurs de cette musique, mais fusionnant le style funk, et le blues qui lui donne une tonalité unique. Ceci les a convertis en innovateurs, rompant les frontières entre les générations attirant énormément de jeunes intéressés á la musique.

Les origines musicales, et anthropologiques de la musique Gospel se trouvent dans la représentation que les églises méthodistes appliquèrent pour attirer les croyants, et ainsi dynamiser les rites religieux, mais elle surtout liée au besoin de christianiser les communautés noires du sud des Etats-Unis.

L’esclavage, et la ségrégation raciale dominante dans les états du Sud de Etats-Unis au 18^ème siècle ont généré deux types d’églises méthodistes, une pour la communauté noire, et un autre pour la communauté blanche. Dans les deux se chantait la musique gospel mais avec des différences de tonalité chorale. Pour le gospel noir, le chant permet de se connecter avec la spiritualité, et avec Dieu répétant les rites ancestraux africain.

Le góspel noir consiste dans la domination des rythmes africains dans les tonalités chorales. Les chants sont nombreux, et toutes les chansons possèdent une chorégraphie données avec des battements de mains, et des mouvements synchronisés au rythme de la musique. Concrètement, le gospel africain a la sensualité de sa culture.

Un aspect intéressant est sa relation avec des grands artistes du jazz,e t du blues comme c’est par exemple le cas de Aretha Franklin, fille du prédicateur Clarence LeVaughn Franklin, la chanteuse gospel Barbara Franklin. C’est aussi le cas de Ella Fitgerald qui a grandi en dansant dans la chorale Bethany African Methodist Episcopal Church, ou encore la merveilleuse Dinah Washington qui a grandi avec le gospel grâce à sa mère qui était pianiste, et dirigeait le St Luke’s Baptist Church.

L’étymologie du mot Gospel vient du vocable anglais God Spell, traduit signifiait Annonce de Dieu. Aujourd’hui, il existe différentes variables de gospel comme des groupes, comme par exemple le gospel rap né dans les communautés afro-américaines urbaines. Il existe aussi le gospel contemporain qui associe différents instruments, danses, performance, et finalement il existe le gospel Scriptures utilisé par les prédicateurs pour réciter ses déclamations accompagnés d’un fond musical.

Pour de plus amples informations : http://www.palaumusica.org/

Nancy Guzman

Une pause durant les fêtes de fin d’années est recommandé par les médecins afin d’atténuer le stress accumulé. Une bonne idée serait de louer un des appartements à Barcelone et assister à un de ses merveilleux spectacles.

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Traduit par: AlValnegri
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Andreas Fogarasi est un artiste contemporain. Né en 1977 à Vienne, aujourd’hui il est reconnu dans le monde artistique pour ses réussites comme architecte, designer et surtout comme innovateur.

Il a gagné plusieurs prix d’art internationaux comme un Lion d’Or à la 52^ème Biennale de Venise, entre autres. Et c’est pour cela que ses œuvres sont exposées dans le monde entier. Cette fois l’exposition “La ville de couleur – Vasarely Go Home” arrive à Madrid et sera exhibée au Musée Reina Sofia de septembre 2011 à janvier 2012.

Là, les visiteurs pourront admirer l’œuvre d’Andreas Fogarasi et comprendre son concept de l’homme, la société et la vie en général. Le merveilleux de cette artiste est sa façon d’associer le simple avec le complexe, le grand avec le petit, en réalisant des installations ou des sculptures qui peuvent être autant minimalistes qu’extravagantes.

Une autre des grandes qualités de cette artiste c’est la grande valeur qu’il donne à l’histoire. Bien que ses œuvres soient modernes, elles laissent voir de façon subtil qu’elles furent traversées par plusieurs siècles d’arts différents, de grandes tragédies et merveilleuses inventions. C’est cela qui distingue Fogarasi de beaucoup d’autres artistes.

Le nom de son exposition est déterminé par l’histoire et par l’amour inconditionnel que Fogarasi sent pour l’art et les artistes.  ”Vasarely Go Home” est la pièce centrale de cette exposition et il s’agit d’un documentaire sur l’inauguration de l’œuvre de Vasarely à Budapest. Là, un autre artiste a voulu aussi être protagoniste et modifia l’ambiance en levant une pancarte qui disait “Vasarely Go Home”.

Pour plus d’information sur l’exposition : http://vasarelygohome.museoreinasofia.es/esp/andreas_fogarasi.html

d.b

Visiter le Musée Reina Sofia et l’exposition d’Andreas Fogarasi de “La ville de couleur – Vasarely Go Home” est un très beau cadeau que tu peux t’offrir si tu loue un des appartements à Madrid et que tu es anxieux pour faire une bonne excursion culturelle.

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Traduit par: Pablo
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